Beroemde artiesten uit Colombia

Colombia is een land vol contrast en kleur. Het is momenteel een populaire toeristenbestemming, maar nog maar een paar decennia geleden stond het bekend vanwege de aanwezigheid van enkele van de gevaarlijkste steden ter wereld. Het land beschikt over enkele van de meest geavanceerde medische centra van Latijns-Amerika, maar een groot deel van de bevolking leeft ook onder de armoedegrens. De geschiedenis van Colombia is gekenmerkt door geweld en onrecht, maar ook door hoop en transformatie. Je kunt deze patronen ook terugvinden in de werken van de beroemdste kunstenaars van het land: krachtige thema's, krachtige kleuren en boodschappen die niet kunnen worden genegeerd. 

Er zijn veel beroemde kunstenaars met werk te zien tijdens verschillende Medellin Museum Tours

Van sommige van de hieronder besproken kunstenaars, zoals Fernando Botero, is nog steeds veel van hun werk te zien in Colombia. Alleen al op de Plaza de Botero staan ​​23 van zijn beelden, die hij aan de stad Medellin schonk; het museum van Antioquia heeft nog meer beelden en ook een flink aantal schilderijen. De werken van Botero zijn te zien in verschillende musea in Medellin, maar ook in sommige parken. Museumrondleidingen Medellin zijn aanbevolen voor iedereen die geïnteresseerd is in de achtergrond van deze cultureel belangrijke werken, maar het is ook mogelijk om ze op zichzelf te vinden en ervan te genieten.

Wat de andere hier genoemde kunstenaars betreft, sommigen van hen hebben hun werk naar het buitenland gebracht. Toch blijft hun invloed op de Colombiaanse kunst sterk, net zoals het land hen sterk heeft beïnvloed.

Fernando Botero

Het is onmogelijk om Colombiaanse kunstenaars ter sprake te brengen zonder erover te praten Fernando Botero. Hij is veruit de bekendste kunstenaar in Colombia, en misschien zelfs de beroemdste kunstenaar in Latijns-Amerika. Omdat hij een diverse aanpak hanteerde bij het presenteren van zijn kunstwerken, verspreidde het zich snel over de hele wereld. Het helpt natuurlijk ook dat hij heel genereus is geweest in het doneren van zijn werken aan steden en organisaties over de hele wereld.

Eén reden waarom Botero zo gerespecteerd wordt, is dat zijn talent zo gevarieerd is. Hij staat vooral bekend om zijn afbeeldingen van het dagelijks leven in Colombia, persoonlijke portretten en vrouwelijke naakten. Hij schuwde er echter niet voor om de Colombiaanse problemen met crimineel geweld of andere openlijk politieke onderwerpen in beeld te brengen. De figuren in zijn schilderijen of sculpturen worden vaak gezien als afbeeldingen van 'dikke' individuen, en het valt niet te ontkennen dat de meeste van hen er tamelijk rond uitzien. Botero benadrukt echter dat wat hij probeert uit te beelden de sensualiteit van volume is, en niet de dikheid. Zijn eerste doorbraak was toen hij een mandoline tekende met een ongewoon klein klankgat, waardoor het een komisch vergroot uiterlijk kreeg. Dat was een belangrijk punt in de ontwikkeling van zijn unieke stijl, die tientallen jaren van zijn carrière heeft standgehouden. 

Johanna Calle

Het werk van Johanna Calle staat bekend om zijn diepe thema's, uitgedrukt in delicate lijnen. Ze begint met het verkennen van haar onderwerp, op zoek naar iets dat impact heeft. De manier waarop haar beelden zijn samengesteld doet denken aan de manier waarop schrijvers poëzie maken – hoewel elk element perfect moet zijn, moet het eindresultaat ook samenhangend en natuurlijk aanvoelen. Ze gebruikt veel verschillende media, zoals draden, foto's, staal, hout of zelfs getypte letters die over haar werken worden gestrooid. Op deze manier verlegt ze de grenzen van elk medium, door te mixen en matchen zoals haar creatieve drive dat voorschrijft. Johanna Calle heeft de neiging zich te concentreren op thema's vol pathos, zoals ecologische rampen, de aard van macht, individuele problemen, sociale orde en ongelijkheid. 

Enkele van haar bekendste werken omvatten onderzoek naar politiegegevens, specifieke bestanden of statistieken. Haar project heet bijvoorbeeld Versie officieel gebruikte kopieën van officiële politieverslagen van verschillende sterfgevallen door de jaren heen, maar maakte deze onleesbaar om haar indruk te illustreren van hoe de regering zaken verdoezelt waarvan zij denken dat ze niet belangrijk zijn. Voor een ander project, Eigen naam, borduurde ze de gezichten van verlaten kinderen tot een soort stamboom, in de hoop dat ze ooit herenigd zouden worden met hun families.

Doris Salcedo

Voor Doris Salcedo is het gewelddadige verleden van Colombia bepalend geweest voor het geweld dat in haar kunst wordt geportretteerd. Haar doel is om het aan de kaak te stellen, te beginnen met afbeeldingen van individuele rouw. Ze wil dat haar mede-Colombianen deze afbeeldingen zien en geïnspireerd worden om hun collectieve geschiedenis terug te winnen. Op Plaza de Bolivar in Bogota organiseerde ze bijvoorbeeld een van haar 'rouwacties', een bijeenkomst van de bevolking om deel te nemen aan haar kunstinstallaties. Het plein is een symbool van politiek protest, waardoor het perfect is voor mensen om zich het onrecht uit het verleden te herinneren. Een andere van haar bekendste installaties heet sjibbolet, dat gaat over de verschrikkingen van migratie. Bij het Londense Tate Modern maakte ze een breuk in de vloer die zich 167 meter uitstrekte, kronkelend over de uitgestrektheid van beton en aan één uiteinde grillig vertakt. Voor haar vertegenwoordigt dit de ervaring van mensen die vanuit de derde wereld naar Europa komen.

Doris Salcedo werkt met plastic en andere multimedia, en ze is een van de eerste kunstenaars in Colombia die internationale aandacht heeft gekregen. Zoals je uit de bovenstaande voorbeelden kunt zien, zijn haar belangrijkste werken in situ interventies en installaties – bijna allemaal zijn ze duidelijk politiek. Haar werken zijn zowel collectief als identiteitsgebaseerd en investeren vaak in de openbare ruimte. Ze doet niet alleen uitspraken, maar stelt ook gevoelige en kritische vragen en verwacht van de kijkers hetzelfde. Rouw en dood zijn veel voorkomende thema's in haar werk, vooral wanneer ze het gebruik van alledaagse voorwerpen ombuigt naar iets betekenisvollers.

Oscar Murillo

Sociale vraagstelling en abstractie zijn de pijlers van de stijl van Oscar Murillo. Een van zijn bekendste werken bevindt zich in een galerie in New York, in samenwerking met het Colombiaanse voedingsbedrijf Colombina. Een kunstenaar en een kunstgalerie vormen niet bepaald een verrassende combinatie, maar waarom zou een vooraanstaand voedingsbedrijf hierbij betrokken zijn? Dat komt omdat dit kunstwerk een functionerende snoepfabriek is, die kijkers uitnodigt om na te denken over de sociaal-economische omstandigheden voor werknemers in Colombia, de VS en elders. 

Oscar Murillo heeft de afgelopen jaren veel positieve aandacht gekregen, deels omdat zijn werk een combinatie biedt van het cerebrale en het viscerale. Hij gebruikt intense contrasten, een breed scala aan media en een toets die onnavolgbaar is. Hij is ook humanist geworden na de oprichting van de Frequencies Foundation. Omdat Murillo opgroeide met het maken van kunst uit alle materialen die er waren, gebruikt hij dezelfde aanpak zelfs nu hij toegang heeft tot alle materialen die hij maar wil. Via zijn stichting heeft hij dit perspectief ook naar scholen over de hele wereld gebracht, waarmee hij duizenden leerlingen van 10 tot 16 jaar heeft geholpen zich op canvas uit te drukken. Hij denkt dat het voor iedereen mogelijk is om zijn artistieke verlangens te uiten, en wil ervoor zorgen dat beginnende kunstenaars die kans krijgen.

Antonio Caro

Deze kunstenaar is het meest bekend vanwege de protesten die via zijn kunst tot uiting komen. In 1977 creëerde hij zijn meest herkenbare werk: een afbeelding van de Colombiaanse vlag, met letters die ‘Colombia’ spellen in de stijl van het Coca-Cola-logo. Als een “visuele guerrilla”, Antonio Caro roept oproepen tot rebellie op en veroordeelt corruptie. Hij deed dit via openbare installaties, posters en schilderijen, die allemaal praktisch van de kijkers eisen dat ze aan hun traagheid ontsnappen en actie ondernemen. 

Caro werd feitelijk geïnspireerd door het werk van Doris Salcedo en werkte later met haar en anderen samen om de Colombiaanse conceptuele kunstbeweging op te richten. Het was Salcedo die Caro kennis liet maken met het concept van op tekst gebaseerde kunst, wat later zou leiden tot de creatie van enkele van zijn meest iconische werken. Critici wezen Caro's werk aanvankelijk af, vanwege Caro's eigen afwijzing van traditionele artistieke vormen. De waarde van zijn projecten werd echter al snel duidelijk voor critici in Colombia en daarbuiten.

Pedro Nel Gomez

Gomez staat vooral bekend om zijn muurschilderingen, die doorgaans sociaal onrecht uitbeelden, of denkbeeldige samenlevingen die een medium hebben gevonden tussen extreme armoede en rijkdom. Hij begon zijn professionele leven echter niet als kunstenaar; hij studeerde en werkte een paar jaar als burgerlijk ingenieur voordat hij zijn kunst serieus nam. Als burgerlijk ingenieur werkte hij in de regio Antioquia om verschillende infrastructuurprojecten te inspecteren; de natuurlijke schoonheid van de regio prikkelde zijn artistieke verbeeldingskracht. Wat het echter echt in vuur en vlam zette, was een bezoek aan Florence, waar hij fresco's uit de Renaissance zag. Vanaf dat moment was hij toegewijd aan het werken als kunstenaar in plaats van als burgerlijk ingenieur. 

Gomez was diep bezig met kwesties van sociale ongelijkheid in zijn thuisland, vooral met de manier waarop deze de kleine boeren in Colombia trof. Terwijl veel van zijn muurschilderingen thema's van onrechtvaardigheid en protest hadden, drukten anderen visies uit van egalitaire en samenhangende samenlevingen.

Toen Pedro Nel Gomez in 1984 overleed, omvatte een van zijn schenkingen 2,000 vierkante meter aan muurschilderingen, waarvan sommige in opdracht van de overheid waren gemaakt en die nog steeds te zien zijn. 

Fanny Sanin

Deze kunstenaar gebruikte aanvankelijk een abstracte gebarenstijl die vergelijkbaar was met die van Joan Mitchell of Lee Krasner, maar haar artistieke stem ontwikkelde zich uiteindelijk meer geometrisch. Haar beroemdste werken zijn herkenbaar aan hun vlakke kleurvlakken, die hardgerand en symmetrisch zijn. 

Sanín bestudeerde als student verschillende artistieke inspanningen, waaronder grafiek, theaterdecorontwerp, architectuurtekenen en beeldhouwkunst, maar ze besloot al vrij vroeg dat schilderen haar favoriete medium was. Dit is wat haar volgens haar de grootste vrijheid geeft om pure abstractie te verkennen, zonder de last van figuratieve representatie. Ze wil ervoor zorgen dat haar enige onderwerp voortkomt uit vorm en kleur, en niets anders. Haar artistieke proces is zeer meditatief en methodisch, omdat ze haar eigen kleuren mengt en meerdere voorbereidende studies maakt.

Hoewel ze oorspronkelijk uit Colombia komt, heeft Sanín een groot deel van haar professionele leven in Londen en New York City gewoond. Enkele van haar grootste invloeden zijn Frank Stella, Kenneth Noland, Morris Louis en Ellsworth Kelly.

Enrique Grau

Enrique Grau begon al op jonge leeftijd kunst te beoefenen. Voordat hij zelfs maar de middelbare school had afgerond, presenteerde hij zijn vroege werk Mulata Cartagenera naar de Eerste Salon de Artistas Colombianos, wat hem een ​​eervolle vermelding opleverde. Dankzij de positieve aandacht die dit werk kreeg, kreeg hij al snel een beurs van de Colombiaanse overheid om in de VS te studeren. Hoewel hij de middelbare school nog niet had afgerond, verhuisde hij naar de Verenigde Staten en begon grafische kunst en schilderkunst te studeren aan de Art Students League of New York. 

In tegenstelling tot veel Colombiaanse kunstenaars die sociaal-economische ongelijkheden in beeld brachten, kwam Grau uit een rijke familie uit de hogere klasse. Toch was hij diep verontrust door de ongelijkheden die hij in Colombia zag, en die thema's kenmerkten zijn werken. Als student verwerkte hij ook thema's als rassenstrijd en lynchen. Hij begon het expressionisme te verkennen, en kort daarna het surrealisme en de figuratieve abstractie. 

Later begon Grau het kubisme te verkennen, maar uiteindelijk keerde hij terug naar de figuratieve schilderkunst, waarin hij karakters afbeeldde die barok, humoristisch, zwaar en fantastisch waren. 

Edgar Negret

Als Colombiaanse beeldhouwer met geometrische abstractie werkte Edgar Negret voornamelijk met metaal. Hij staat bekend om zijn sculpturale stijl die er industrieel uitziet en tegelijkertijd verschillende aspecten van de natuur weergeeft. Oorspronkelijk geboren in Popayan, verhuisde hij later naar Californië om te studeren aan de Escuela de Bellas Artes. Gedurende deze tijd maakte hij kennis met een Spaanse beeldhouwer genaamd Jorge de Oteiza, die destijds toevallig in de geboorteplaats van Negret woonde. Oteiza werd uiteindelijk een van de eerste en sterkste invloeden van Negret. Later zou Negret zich ook laten inspireren door de moderne kunstbeweging die zowel in de VS als in Europa tot bloei kwam. 

Volgens de artistieke filosofie van Edgar Negret worden mechanische vormen magisch wanneer ze worden bevrijd van hun functie. Hij combineerde dit met pre-Colombiaanse symboliek in zijn latere werken, die parallel liepen met een groeiende trots op de inheemse Colombiaanse cultuur in het laatste deel van de 20e eeuw.th eeuw. In 1985 werd het huis van zijn familie omgebouwd tot een museum; het is nog steeds mogelijk om veel van zijn decoratieve kunstvoorwerpen en sculpturen te zien in La Casa Museo Negret in Popayan.

Santiago Martínez

Deze kunstenaar bleef bezig met een aantal bezigheden, met name schilderen, beeldhouwen, schrijven en werken als kunsthistoricus. Hij staat bekend om zijn muurschilderingen, maar ook om zijn houtsnijwerk, illustraties, olieverfschilderijen en aquarellen. Martinez begon op 11-jarige leeftijd kunst te studeren aan de Bogota Fine Arts Academy. Rond zijn twintigste verhuisde hij naar Chicago om te werken bij het Fine Arts Institute of Chicago, waar hij meer dan vijf jaar bleef. Daarna keerde hij terug naar Colombia; tegen die tijd was zijn stijl geëvolueerd naar iets dat leek op de picturale Art Deco-esthetiek, met een innovatief tintje in de lijn van pionieren. Naast zijn puur artistieke inspanningen illustreerde en regisseerde hij ook de belangrijkste uitlaatklep voor Colombiaanse culturele media Revista Vida. 

De jaren '40 en '50 worden beschouwd als de beste jaren van Martinez en won verschillende prijzen voor zijn muurschilderingen en fresco's. Hij werd zelfs door president Mariano Ospina Perez geëerd met de Cruz de Boyaca-prijs. Gedurende deze periode produceerde hij ook een van de beste historische verslagen over Simon Bolivar die ooit zijn geschreven, en hij wordt tot op de dag van vandaag nog steeds beschouwd als een van de belangrijkste historici over deze belangrijke figuur.

Pedro Ruiz

Via schilderijen en installaties heeft Pedro Ruiz vier series ontwikkeld: Colombianas Light, Gold, Displacements en Love is in the Air. Hij heeft een sterke toewijding om van elke artistieke boodschap een sociaal project te maken, waarbij hij gelooft in het belang van kunst die echt impact heeft. Hij ziet de schade die wordt aangericht door agressieve mijnbouwpraktijken, het zware spuiten op medicijngewassen, sociale ontheemding en de vernietiging van de natuurlijke wereld door multinationale ondernemingen. Het baart hem grote zorgen dat deze zaken de plattelandsbevolking treffen en de ongelijkheid tussen hen en de stadsbewoners vergroten. Deze ongelijkheid, en de urgentie die hij eromheen voelt, beslaat veel van de thema's van zijn werken. Ruiz ziet de natuur als een kracht die niet kan worden gecontroleerd; het is eerder iets waarmee iedereen in harmonie moet leven.

Pedro Ruiz wordt momenteel beschouwd als een van de belangrijkste kunstenaars in Colombia en wordt ook door andere landen als zodanig erkend. Hij is ambassadeur bij UNICEF en hij is door de Franse regering ook geridderd in de Orde van de Kunsten en Letteren.

Debora Arango

Als een van Colombia's meest invloedrijke en intense artiesten, Debora Arango daagde de Colombiaanse culturele normen uit met bijna alles wat ze deed. Niet alleen verwierp ze de toekomst die haar familie haar als katholiek uit de middenklasse wilde geven, maar ze tartte ook de verwachtingen van de Colombiaanse regering dat kunstenaars bepaalde onderwerpen niet zouden aanraken. Tijdens haar carrière vocht ze tegen censuur en laster vanwege de controverse over haar werk, met name haar weergave van hoe bepaalde klassen vrouwen werden vervolgd of vergeten. Ze onderzocht ook de hypocrisie van de katholieke kerk, de politieke corruptie in de Colombiaanse regering, onontdekte onderwerpen op het gebied van seksualiteit en de dagelijkse strijd van kwetsbare vrouwen in Colombia. Arango wordt vergeleken met Frida Kahlo, in de zin dat zij haar thuisland hielp zich aan te passen aan de krachten van de modernisering.

Arango's eerste indruk kwam van haar schilderijen van vrouwelijke naakten. Dit klinkt nu misschien niet controversieel, maar in Colombia veroorzaakte het in 1939 in het hele land schandalen. Deze vroege werken versterkten haar reputatie als onvoorspelbaar oproerkraaier, vooral dankzij de conservatieve pers die elke gelegenheid aangreep om haar te veroordelen. Het was niet alleen ongebruikelijk dat een vrouwelijke kunstenaar zich aan dit genre waagde, maar critici leken ook een hekel te hebben aan de weergave van het vrouwelijk lichaam door de ogen van een andere vrouw. 

Vanaf het begin van haar carrière gebruikte Deborah Arango elk project om maatschappelijke kwesties aan het licht te brengen. Via haar broers had ze connecties met de medische wereld en mocht ze gevangenissen, gestichten en mortuaria bezoeken om met eigen ogen te zien hoe vrouwen in deze contexten werden behandeld. Het was haar duidelijk dat het verband tussen psychische aandoeningen en opsluiting veel te sterk was. Dit verbeeldde ze in werken als Schizofrenie in de gevangenis, waarin een paniekerige vrouw in een schaarse gevangeniscel te zien is, die duidelijk worstelt met haar innerlijke demonen.

Arango gebruikte kunst ook als reactie op specifieke gebeurtenissen, zoals de periode in de Colombiaanse geschiedenis die bekend staat als de gewelddadigheid. Haar chaotische aquarellen houden van De trein van de dood en Slachting van de 9th van april markeerde een afwijking van eerdere beweringen dat ze niet gebonden zou zijn aan sociale verantwoordelijkheid. In plaats daarvan voelde ze zich verplicht om te reageren op de gevoelloze minachting van de Colombiaanse regering voor burgerlevens. In De trein van de doodkronkelende treinwagons worden getoond vol bevroren lichamen – iets wat feitelijk gebeurde toen de overheid vermoorde burgers en gevangenen vervoerde. De twee werken hadden echter niet de impact die Arango wenste, omdat ze twintig jaar lang door de Colombiaanse regering aan de publieke opinie werden gecensureerd.

De sociale thema's die Arango aansneed, leverden haar ook de afkeuring van de katholieke kerk op. Ze portretteerde regelmatig vrouwen in gestichten, bordelen, bars en gevangenissen. Op één schilderij werd een prostituee lastiggevallen door de politie. In een andere moest een vrouwelijke gevangene zonder hulp bevallen – en nog controversiëler: het riep het belangrijkste stuk katholieke iconografie op met de titel Madonna van de Stilte. Het schandaal groeide uiteindelijk zo uit dat de aartsbisschop van haar bisdom dreigde met excommunicatie als ze haar schilderijen bleef tentoonstellen. 

Deborah Arango had een carrière die acht decennia besloeg, en elk onderdeel ervan was satirisch, grensoverschrijdend en innovatief. Ze overtrad de regels, zelfs als dit risico's voor haar professionele, religieuze of persoonlijke leven met zich meebracht. Haar nalatenschap ligt vandaag de dag niet alleen in haar schilderijen, maar ook in de vrouwelijke Colombiaanse kunstenaars die zijn blijven voortbouwen op de basis die zij heeft gelegd. Hoewel ze tijdens haar leven nooit roem heeft gewild, blijven haar leven en werk een belangrijk onderdeel van de geschiedenis van Latijns-Amerikaanse vrouwelijke kunstenaars.

Van museumrondleidingen in Medellin tot kunstinstallaties in Londen: Colombiaanse kunstenaars hebben over de hele wereld hun sporen verdiend

Mede door de langdurige burgeroorlog staat Colombia nog niet zo lang bekend om zijn grote moderne kunst. Sindsdien zijn echter steeds meer mensen kennis gaan nemen van wat dit land te bieden heeft. Sommige werken van deze kunstenaars kunnen worden bekeken in Europese of Amerikaanse galerijen, terwijl andere een integraal onderdeel vormen van de museumrondleidingen in Medellin. Maar waar je ze ook tegenkomt, ze zullen zeker een krachtige indruk achterlaten.